Art in Italy

Oscar Ghiglia. Il concerto di Siena e il giallo de “La giovane chitarrista”

roby — Fri, 03 Feb 2012 19:52:31 +0000

Oscar Ghiglia, dvd - Guitar Media Collection 2011

Oscar Ghiglia mi fa pensare, come è ovvio, alla musica, ma al tempo stesso a quella dimensione affabulante, che è profondamente compenetrata al suo essere musicista, e fa di lui un carismatico maestro. Ecco l’Accademia Chigiana di Siena, dove insegna dal 1976, nella cattedra che fu di Andrés Segovia, di cui già una decina d’anni prima era stato l’assistente a Berkeley, e poi l’Aspen Music Festival, dove fondò il Dipartimento di chitarra nel 1969, e ancora gli Incontri Chitarristici di Gargnano, da quarant’anni appuntamento di Settembre per chitarristi provenienti da ogni parte del mondo, e la Musik-Akademie di Basilea, che lo ha visto docente per oltre un ventennio. E poi ancora corsi e master class. Ovunque. E tanti allievi, alcuni incrociati per pochi giorni, altri perseveranti per anni nell’incontro-scontro con la sua personalità. Ma tutti, credo, in qualche modo toccati dalle sue parole. Perché Ghiglia è un maestro scomodo, abilissimo nel terremotare le certezze di chi gli sta di fronte: le sue lezioni spesso richiedono nervi saldi, che peraltro devono fondersi alla più permeabile elasticità. Non è facile: capita di non capire, di piangere, di voler fuggire lontano. Ma poi, col tempo, non si dimenticano le parabole create a lezione, con fare estemporaneo, dal suo talento di narratore, perché tramite quelle storielle Ghiglia può dipingere, come si conviene all’erede di una gloriosa famiglia di pittori toscani, la semplice quotidianità così come l’evento più surreale, in modo che tocchino un nervo scoperto dell’allievo. È faticoso ritrovarsi denudati dalla sua compiaciuta callidità, eppure è proprio da questo disagio arrossito di vergogna, del tipo di Adamo ed Eva dopo la mela, che può attivarsi uno slancio genuinamente creativo.

Paulo Ghiglia, La giovane chitarrista, 1835-1840, olio su cartone, cm 70 x 41

Chissà, è forse questo il motivo per cui Ghiglia non si concede troppo alle registrazioni discografiche, che possono certo confortevolmente trattenere la sua preziosa musica, ma non le sue immaginose parole; dunque, ben venga il dvd proposto da Guitar Media Collection, se è l’occasione per ascoltarlo suonare Ponce, Bach, Sor e De Falla, e subito dopo per gustare la sua conversazione con Flavio Cucchi, suo allievo di un tempo e adesso affermato chitarrista, e Massimo Raccosta, ingegnere e collezionista di chitarre, creatore del Museum of Fine Guitar – The Raccosta Collection di Verona.

Il concerto è stato registrato a Siena, nell’estate del 2010, e si apre con la Sonata romantica di Manuel Maria Ponce, brano segoviano quant’altri mai, perché frutto di un’amicizia creativa, quella fra Ponce e Segovia appunto, in cui il talento compositivo del messicano si dimostrò estremamente duttile nel mettersi al servizio del carismatico solista andaluso, e, in questo specifico caso, nel realizzare il suo desiderio di dotare la chitarra di un’opera che avesse il respiro delle grandi sonate schubertiane.

In molti hanno inciso questa Sonata, eppure è impossibile togliersi dalle orecchie l’interpretazione di Segovia, che è quasi una sua seconda pelle. Ghiglia lo sa bene, e si allontana dai sentieri del suo maestro, per restituirci una Sonata romantica intimamente schubertiana, libera da navigatori satellitari, di certo affidabili nel definire le tappe del tragitto, ma inutili per godere l’incanto dell’attimo.

C’è un passo dell’intervista-conversazione in coda al concerto, che a mio parere è molto eloquente nello spiegare con evidenza questo modo di procedere: Ghiglia ricorda che Segovia rifuggiva da quelle interpretazioni che dessero libero sfogo ai sentimenti; in lui tutto doveva essere organizzato, con il nitore di un giardino zen. “Io invece mi chiedo: e se poi sbaglio tutto?” Ed è proprio in quest’umanità, meno sicura di sé, ma più elastica nell’accogliere l’imprevedibilità del cambiamento, che sta tutto il fascino della lezione del maestro livornese.

Dopo Ponce, Ghiglia si confronta con un brano che rappresenta la sua carta di identità musicale: il Preludio BWV 998 di Bach, di cui egli narra sovente la funzione iniziatica per il suo percorso artistico; infatti, negli anni di studio con Segovia, per tutto un inverno romano egli si dedicò a smontare e ricostruire questo brano, in quanto la lenta e avvolgente uniformità ritmica delle terzine rappresentava un’ideale tela bianca per chiarire a se stesso i rapporti di forza fra i suoni. E, dopo tanti anni, è bello percepire come la sua estrema familiarità con questa musica non scada mai nell’ovvietà abitudinaria, ma sappia rinnovarsi, come in un ciclo lunare.

È dunque la volta di Le Calme – Caprice op. 50, piccolo gioiello della maturità di Fernando Sor, eppure di rado presente nei programmi dei concerti chitarristici, forse perché possiede la discrezione di un merletto, che rende palese solo ad uno sguardo attento la maestria del suo ben calibrato equilibrio. E pensare che Sor, arrivato a Parigi nel 1813 fra gli ufficiali afrancesados, aveva grandi ambizioni di operista, a lungo messe alla prova con caparbietà, ma senza successo, e forse non immaginando neppure che sarebbe riuscito a lasciare una traccia duratura di sé soltanto tramite uno strumento al tempo stesso impervio e confortevole, la chitarra dalla piccola voce.

Da ultimo, l’Homenaje pour le Tombeau de Debussy di Manuel De Falla, riflessione astratta e toccante sulla vita e sulla morte, prima ancora che omaggio alla tomba di un genio attraverso un frammento delle sue note vive.

Il cante jondo trova la sua sintesi in quel semitono severo, capace di separare irrevocabilmente il fa dal mi, così come la morte ci divide da chi non è più qui; ma nell’interpretazione di Ghiglia mi colpisce ancora di più l’altro semitono diatonico, si-do, che si insinua fra le budella delle corde a vuoto in terzina, a ricordarci che il grido della vita è comunque più forte del vento che lo disperde.

Nicoletta Confalone

P.S.: La prima immagine è la copertina del dvd, mentre la seconda è un dipinto di Paulo Ghiglia, papà di Oscar: il dipinto è ufficialmente intitolato La giovane chitarrista, ma sarà forse questa la tela che da cui scaturì la vocazione chitarristica del piccolo Oscar? Il maestro ama raccontare a lezione che il padre pittore, per tenerlo un po’ fermo, un giorno gli aveva dato una chitarra in mano e un poncho da indossare, per fargli da modello. Proprio grazie a quel forzato contatto con le sei corde, nelle lunghe ore di posa, quel bambino iniziò a studiare la chitarra.

Oscar Ghiglia
Manuel Ponce: Sonata Romantica
Manuel De Falla: Homenaje
Fernando Sor: Le Calme
J.S. Bach: Preludio
Conversazione con Oscar Ghiglia
con Flavio Cucchi e Massimo Raccosta
dalla residenza di Massimo Raccosta
(The Raccosta collection – Museum of fine guitars)
dvd - Guitar Media Collection 2011

East Zone: i fratelli Beato e la scuola di Yokohama

roby — Fri, 20 Jan 2012 11:29:41 +0000

Adolfo Farsari, Giappone, Due Geisha, ca. 1887. Stampa all’albumina colorata a mano, mm. 216x285.

Dopo il Lucca Photo Fest, tutto dedicato all’oriente, e in concomitanza con la mostra veneziana di Palazzo Franchetti, Fotografia del Giappone, anche Piazzola Sul Brenta ha dedicato un evento ai fratelli Beato e alla scuola di Yokohama, nell’incantevole scenario tardo secentesco di Villa Contarini, con ingresso libero, fino al 1 aprile 2012: East Zone, Antonio Beato, Felice Beato e Adolfo Farsari. Fotografi veneti attraverso l’Oriente dell’Ottocento.

La storia di questi fotografi è a dir poco affascinante, specie quella del greco-veneziano Felice Beato che, iniziato all’arte da James Robertson, fotografo della Zecca Ottomana, con lui si reca a Costantinopoli e poi, con il fratello Antonio, a Malta (nel 1854-1856), in Grecia, a Gerusalemme (1857) e, durante il conflitto, in Crimea.

Kimbei Kusakabe, Giappone, Samurai, ca. 1880. Stampa all’albumina colorata a mano, mm. 265x210

Proprio qui nasce il fotoreportage di guerra che, già a quei tempi, sarà in grado di influenzare sensibilmente l’opinione pubblica inglese.

Quindi Felice è al seguito dell’esercito inglese in Cina, durante la Guerra dell’Oppio, poi in Inghilterra e nel 1863 a Yokohama, in Giappone, in società con il giornalista Charles Wirgman. Nel frattempo Antonio si trasferisce in Egitto per fotografare i luoghi e monumenti del medio oriente.

Felice documenta fotograficamente la civiltà giapponese in anni in cui il mondo nipponico è inaccessibile allo straniero. Inoltre, conoscendo la tecnica giapponese della xilografia e la colorazione manuale delle stampe all’albumina, istruisce abili coloristi giapponesi che dipingono con maestria le sue riprese, creando con verosimiglianza immagini costruite su rarefatte gamme tonali. L’esposizione rende giustizia anche ai primi allievi fotografi giapponesi, le cui opere si trovano anche nella mostra di Palazzo Franchetti Cavalli a Venezia.

Adolfo Farsari, Giappone, Ragazze in cucina, ca. 1887. Stampa all’albumina colorata a mano, mm. 254x210

L’ incendio di Yokohama nel 1866 distrugge il corposo archivio di negativi di Beato ma il fotografo riesce a ricostituire un corpus d’immagini, pubblicato in “Native Types” e “Views of Japan” (Victoria and Albert Museum, Londra).

Nel 1871 è in Corea e nel 1873 è nominato Console Generale per la Grecia in Giappone. Nel 1884 si reca in Egitto, come fotografo ufficiale di una spedizione diretta a Khartoum, in soccorso del generale Charles George Gordon, poi è in Inghilterra e, nel 1888, in Birmania. La sua compagnia “F. Beato Ltd” viene liquidata nel 1907, così come, nel 1906, quella di Antonio a Luxor .

Lo studio fotografico di Yokohama, nel 1877 passa a Baron Von Stillfried e, nel 1885, al vicentino Adolfo Farsari, viaggiatore, militare (anche volontario nella guerra civile americana), importatore di libri e riviste. Realizza immagini di straordinaria bellezza, caratterizzate dall’elevata qualità della colorazione, contribuendo alla diffusione della fotografia come forma d’arte nell’estremo oriente.

Felice Beato, Yedo, Geisha sulla veranda della casa di Charles Longfellow, 1872. Stampa all’albumina colorata a mano, mm. 293x226.

Per i soggetti e le scenografie, Farsari si ispira al grande artista dell’ukiyoe Hiroshige; anche quest’ultimo, a sua volta, si cimenterà nella fotografia.

D’altro canto, in occidente, le foto di Beato e di Farsari contribuiscono creare l’immaginario collettivo sul Giappone medievale e gli stereotipi sull’esotismo dei costumi locali.

Nel 1890 Farsari ritorna Vicenza ma il suo studio fotografico è documentato fino al terremoto del 1923.

Se Felice Beato è il pioniere del reportage di guerra, l’uomo che mostrerà il Giappone all’Occidente e che insegnerà al Giappone stesso la fotografia, dalle tecniche di ripresa e quelle di sviluppo e di colorazione su positivo, nell’evoluzione dei materiali (dai negativi al collodio su carte all’albumina alle lastre in gelatina al bromuro d’argento), Antonio è l’occhio che rende noti i luoghi e i monumenti del medio oriente e Adolfo Farsari, l’esteta che sviluppa il lavoro di Felice in Giappone, diventando un esempio di eccellenza artistica così in oriente come in occidente.

East Zone, Antonio Beato, Felice Beato e Adolfo Farsari. Fotografi veneti attraverso l’Oriente dell’Ottocento.
Piazzola sul Brenta (Padova), Villa Contarini,
17 dicembre 2011 – 1 aprile 2012
orario: mar-lun, 10 – 16
Ingresso gratuito
tel. 049.8778272 / 3
www.villacontarini.eu
villacontarini@regione.veneto.it

L’articolo originale è tratto da Art in Italy

Brian Duffy a Pitti Uomo: rock & fashion nella Londra anni ‘60-’80

roby — Thu, 12 Jan 2012 00:05:03 +0000

David Bowie, SCARY MONSTERS, 1980 ©Duffy Archive

Fotografo di successo delle star del cinema e del rock nella Swinging London e nei mitici Seventies – e per questo ispiratore del film Blow Up di Antonioni - Brian Duffy nel 1979 accende un falò che segnerà il suo addio alla fotografia.
Il figlio Chris però riesce a recuperare dalle ceneri 160 lavori di cui 80 saranno in esposizione dal 12 gennaio al 25 marzo 2012 al Museo Nazionale Alinari della Fotografia, in occasione di Pitti Uomo Immagine 81.
Duffy, infatti, insieme a David Bailey e a Terence Donovan, formava la cosiddetta ‘Black Trinity’ che codificò il linguaggio visivo della Londra degli anni Sessanta.
Dal 1957 “Harper’s Bazar” , “Vogue”, “Glamour”, “Esquire”, “Town Magazine”, “Queen Magazine”, “Elle”, “The Observer”, “The Times”, “The Daily Telegraph” sono alcune delle riviste (compreso il Calendario Pirelli) che hanno pubblicato le sue foto di divi e rockstar tra i quali: Michael Caine, Jane Birkin, Jean Shrimpton, Black Sabbath, David Bowie, Frankie Miller, Paul Jones, Sidney Poitiers, Marianne Faithfull, Blondie, John Lennon e Paul McCartney.
Sono sue le copertine cult dei dischi di Bowie, “Aladdin sane” (1973), “The Lodger” (1979) e “Scary Monsters” (1980).
Nel 2009 l’artista, spinto dal figlio, riprende alcuni dei vecchi scatti, ottenendo risultati sempre notevoli.
Duffy, a photographic genius è una mostra da non perdere, che mette in rassegna una scelta delle opere ad oggi pervenute di un fotografo che ha creato la mitologia degli anni Sessanta e Settanta con scatti che fin da subito sono diventati icone pop e fashion.

Duffy, a photographic genius
MNAF
Firenze, piazza S. M. Novella 14a r
12 gennaio al 25 marzo 2012
orari: gio mar, 10.00 – 19.30
rtel 055.216310, fax 055.2646990
http://www.mnaf.it
mnaf@alinari.it

Stefano Grondona… Trasumanar per musica

roby — Sun, 01 Jan 2012 17:50:33 +0000

Il chitarrista Stefano Grondona raffigurato sulla copertina del cd Grondona plays J. S. Bach

I cd di Stefano Grondona, chitarrista fra i più valorosi ed anticonvenzionali nel panorama internazionale contemporaneo, rappresentano puntualmente un evento, capace di coniugare il suo inconfondibile gesto interpretativo con la presenza di un booklet sempre acuto e passionale nello spiegare le ragioni del suo procedere, che non è mai scontato né tantomeno accondiscendente con le logiche del mercato.

Stefano Grondona plays J.S. Bach è la sua più recente fatica discografica, pubblicata da Stradivarius, e già segnalata con le cinque stelle – cd del mese dalle riviste Musica e Amadeus; La chitarra decontestualizzata è il titolo del saggio che il musicista italiano le affianca nel booklet.

Decontestualizzazione è parola tanto lunga quanto risulta arduo, ai limiti dell’impossibile, riuscire a separare i singoli fili dell’ordito.

Se il contesto è quel che è tessuto insieme, decidere di sciogliere l’intreccio è opera d’astrazione, determinata nel convincimento che valga più liberare quell’unica corda vibrante intrappolata nella lana, piuttosto che conservare integro il soffice e confortevole tappeto da salotto che ne attutisce inesorabilmente il palpito.

Proprio questo si propone il prezioso e ardimentoso cd che Stefano Grondona dedica a Bach: decontestualizzare la chitarra, come l’artista italiano dichiara al principio del suo corposo saggio, che accompagna e completa l’incisione.

Districare dal contesto la purezza pulsante della corda che vibra significa riconoscerne la natura primigenia di unica, verace essenza dell’atto musicale, tale da ridurre ad accessorio ogni preoccupazione di ordine tecnico, filologico, storiografico, acustico e chi più ne ha più ne metta; il che, beninteso, significa l’esatto contrario dello sprezzare come inutile lo studio della tecnica strumentale, della filologia, della storia e dell’acustica, perché soltanto attraverso uno studio matto e disperatissimo il talento è temprato per andare oltre, alla ricerca di quel bello senza disciplina che del rassicurante piacevole non è che un remoto parente.

Grondona è un artista all’altezza di tale impresa, che si rivela spiazzante su due fronti distinti: quello della chitarra, alfine liberata dai vezzi folcloristici e dalle paure orgogliose dell’eterna parvenue, e quello bachiano, un autentico sancta santorum per qualunque musicista.

Il Bach proposto da Grondona mi appare decontestualizzato a vari livelli: in primo luogo, il nucleo centrale del cd, costituito dai 16 pezzi tratti dal Quaderno di Anna Magdalena, contiene alcuni dei brani più conosciuti e martoriati da generazioni di piccoli dilettanti della tastiera, e, com’è noto, queste forme di massificante divulgazione musicale hanno la perversa capacità di assimilare anche l’aria più nobile ad un jingle qualunque. Al contrario, Grondona, dando la voce alla sua Torres dalle trascendenti risonanze, è capace di farci ascoltare queste pagine fresche nella loro fragrante quotidianità, come forme di pane appena uscite dal forno di casa Bach, pronte per essere addentate e gustate da torme di bambini, affamati di pane e di musica.

Un altro livello di decontestualizzazione è quello del corpus bachiano dedicato al liuto e al suo stravagante parente Lautenwerk, acquisito in blocco e stabilmente come uno dei capisaldi della letteratura chitarristica: Grondona estrae da questo scrigno il Prelude BWV 999, la Fuga BWV 1000 e il trittico Preludio Fuga e Allegro BWV 998, che sono i gioielli più indossati dai chitarristi che vestono Bach.

Liberarsi dal contesto in questo caso significa pronunziare Bach con il proprio inconfondibile accento, memore delle logiche chitarristiche come di quelle bachiane, eppure al tempo stesso diverso e irriducibile a entrambe, non per egocentrico desiderio di apparire originale, ma per scabra ricerca della propria verità.

Infine, anzi, al principio, considerata la collocazione di apertura del cd, la terza decontestualizzazione, forse la più ardua, perché è quella del confronto con il proprio passato: la Toccata BWV 914, originaria per Klavier, è stata trascritta per chitarra proprio da Grondona una ventina d’anni fa, e oggetto a quel tempo di una delle sue prime incisioni discografiche. Era già allora un’interpretazione provocatoria, di un giovane e brillante vincitore di concorsi internazionali, addirittura citato da Segovia fra i suoi allievi più significativi, eppure lontano dalle tentazioni edonistiche dei fuoriclasse, nella determinata tensione di una solitaria ricerca, volta a trascendere i limiti del suo strumento, perché trasumanar significar per verba non si poria, ma per musica sì.

Le due Toccate a confronto suonano emblematiche del tempo che passa, in un senso percettibilmente diverso dalla comprensibile nostalgia per una giovinezza ormai dietro le spalle: quando il rigore ritmico delle voci in fuga è capace di regalarsi minimi varchi di languido abbandono, non è diventato più vecchio, ma semplicemente più libero.

Augurando a Grondona di conservare a lungo la potenza ispirata dei suoi slanci, auspico che questo cd non rimanga relegato ai chitarristi, anzi, ai soli chitarristi abbastanza intelligenti per non essere invidiosi di tale vertiginosa altezza, ma, per una volta, con la disarmante semplicità delle cose belle, diventi patrimonio di tutti coloro che amano la musica.

Nicoletta Confalone

Johan Sebastian Bach

Grondona plays J. S. Bach

Stefano Grondona

Stradivarius STR 33868

1 cd, 61,08 minuti

Milano Dischi srl

Musei statali: ingresso libero fino al I gennaio 2012

roby — Tue, 27 Dec 2011 09:38:51 +0000

Cratere a figure rosse con raffigurazione di Dioniso (V-IV sec A. C.), Palazzo Simi, Bari

Le aree archeologiche e i musei statali presenti nell’elenco pubblicato nel sito del Mibac (www.beniculturali.it) sono aperti al pubblico gratuitamente dal 25 dicembre al I gennaio 2012, per tutte il periodo di festività natalizie, al fine di promuovere la conoscenza del patrimonio.
In tempi di crisi, e di chiusure dei musei civici veneziani nei festivi (proprio il giorno 25), ben vengano tutte le iniziative di questo genere, e gli eventi correlati, che consentiranno a tutti di poter fruire liberamente, per fare qualche esempio, dei siti archeologici di Puglia, Calabria, Basilicata, tanto quanto di Paestum e della reggia di Caserta in Campania o della villa Pisani di Stra nel Veneto, delle Pinacoteche Nazionali di Bologna, Ferrara e della Galleria Estense di Modena, Della Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, degli scavi di Ostia, le ville di Tivoli e la Necropoli di Tarquinia, Palazzo Reale a Genova, il Palazzo Ducale di Mantova, i castelli di Civitacampomarano, Gambatesa in Molise e Racconigi e Aglié in Piemonte, il Palazzo Simi a Bari, così come la Galleria degli Uffizi a Firenze o le ville medicee di Petraia o di Poggio a Caiano.
Ancora qualche giorno, per chi è in vacanza o nel tempo libero, per fruire liberamente di molti dei capolavori conservati in Italia, nelle location storiche del nostro territorio, da scoprire o da tornare a vedere fino al I gennaio.

Apertura straordinaria e gratuita dei musei e delle aree archeologiche statali
territorio italiano
25 dicembre 2011 – 1° gennaio 2012‏
Mibac
tel 06 67232341, 06 67232261, 06 67232262
www.beniculturali.it

I capolavori del Giappone agli albori della fotografia

roby — Sun, 18 Dec 2011 14:50:42 +0000

Raimund von Stillfried-Ratenitz. Lottatori di Sumo ed arbitro. 1872

Inaugurata a Venezia nell’affascinante cornice neogotica del prestigioso palazzo Franchetti Cavalli la mostra Fotografia de Giappone (1860-1910). I capolavori: 150 stampe fotografiche originali realizzate da maestri come Kusakabe Kimbei e Felice Beato, che fondò la Scuola di Yokohama e lo stile omonimo con la tecnica delle stampe all’albumina finissimamente colorate a mano, tanto che il risultato si avvicina molto alle odierne foto a colori.
L’immaginario nipponico vi viene declinato spesso dal punto di vista dell’esotismo occidentale, in ogni sua accezione. Vi sono la visione artificiale del paesaggio, delle stampe del ukiyo-e, delle arti marziali, della donna giapponese, del monaco, delle città, delle feste religiose, anche delle anomalie e “capricci” spesso presenti nell’arte giapponese.
Una mostra raffinatissima, curata curata da Francesco Paolo Campione, direttore del Museo delle Culture di Lugano (coproduttore con Giunti Arte), e da Marco Fagioli e ospitata nei suggestivi ambienti sede dell’Istituto Veneto di ScienzeLettere ed Arti. Fino al I° aprile 2012.

La Fotografia del Giappone (1860-1910). I capolavori
Palazzo Franchetti Cavalli
Campo Santo Stefano
Venezia
17/12/ 2011 – 01/01/2012
lun-dom 10-18; chiuso martedì
tel. 199.199.111
http://www.clponline.it
info@clponline.it

Decorazione e decoro nell’idea del centro di Marco Lazzarato

roby — Sun, 11 Dec 2011 16:03:09 +0000

M. Lazzarato, Omphalos, Mosaico, cm,18x18, Collezione Galleria Signorini

Il settimo raggio ovvero l’idea del centro. Indagine sulle radici della nostra cultura, è il titolo del libro di Marco Lazzarato, appena uscito in libreria. L’artista, nato a Badia Polesine (Ro) e docente presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna, è anche un attivo teorico e saggista. Dal 1990 si occupa di arte pubblica, finalizzando la propria ricerca artistica al recupero della Decorazione architettonica: tra le opere pubbliche realizzate, la decorazione del ponte di Pontelongo a Padova. Art In Italy gli rivolge alcune domande:

A cosa si riferisce il “Settimo raggio” nel titolo del tuo libro?

Il vero titolo del libro è in realtà “L’idea del centro”. E’ una indagine sull’origine delle Decorazione, svolta a Venezia nel 2006, su un mio progetto di ricerca concordato fra l’Accademia di Bologna e quella di Venezia. Si è trattato di una vera e propria indagine, degna di una trama poliziesca, incentrata sull’analisi della facciata della chiesa del Redentore, perché ha affrontato aspetti ignoti dell’opera palladiana avendo a disposizione solo pochi indizi. Il Settimo Raggio potrebbe quindi essere il sigillo, l’enigma da risolvere da parte dell’investigatore , che, ovviamente, può essere svelato solo leggendo il libro.

E qual è allora la tua “idea del centro“?

M. Lazzarato, Etere, Acquerello, cm. 40 x 40, Collezione Galleria Signorini

L’idea del centro non può essere personale, altrimenti sarebbe un’ idea “eccentrica”. L’idea del centro costituisce una comune presa di coscienza sull’origine del proprio essere e della propria cultura. Per motivi che sono spiegati nell’indagine svolta nel libro, io ritengo che la chiesa del Redentore possa assurgere a monumento nella nostra idea del Centro e qualifichi Palladio come maestro di riferimento anche per i nostri giorni (assai eccentrici…).

Cosa ti ha spinto a scrivere questo libro?

Come decoratore, concluso in qualche modo il recupero degli strumenti culturali, formali e tecnici dell’arte, frutto di un meticoloso lavoro di recupero nelle discariche culturali del Moderno, ho avvertito la necessità di riscoprire la fonte, il principio ordinatore di elementi altrimenti condannati a rimanere frammenti. Venezia, secondo la mia analisi, era il posto giusto per condurre l’indagine, perché “faglia culturale” nella quale collidono le due grandi “zolle continentali” della nostra “tettonica” culturale: il blocco Gotico-Bizantino (San Marco e Palazzo Ducale) e quello rinascimentale (San Giorgio). La scelta è poi caduta sulla chiesa del Redentore perché sovrastante presenza enigmatica.

Il settimo raggio ovvero l’idea del centro. Indagine sulle radici della nostra cultura, di Marco Lazzarato

Artista, teorico, insegnante, come riesci ad integrare questi tre ruoli?

Come artista non posso operare se l’Arte è stata delegittimata dal cretinismo tardo modernista. Una nuova teoretica sull’Arte, quindi, è atto preliminare a chiunque oggi si dichiari artista. Dovere deontologico a cui sono chiamato, anche come accademico, che impone una costante attività di ricerca sui contenuti, le forme e le finalità del settore artistico di mia pertinenza, cioè la decorazione. L’insegnamento diventa lo strumento di questa indagine.

L’arte e la decorazione, la società e il territorio, oggi si potrebbe aggiungere la parola economia: come vedi questi termini oggi alla luce della tua esperienza?

E’ il momento di smetterla di raccontarci favole e poi far finta di crederci. Oggi bisogna liquidare il ‘900, avviandone l’istanza di fallimento presso il tribunale della Storia. Nell’Arte questo significa uscire dal pantano verista, creato dall’’800 e nel quale il ‘900 ha sguazzato come un felice porcellino. Fine dell’arte non è la copia del Vero (magari sublimata attraverso la performance o la video-arte), per cui non esistono Arti Belle (che copiano il Vero) e Arti Applicate (che lo “applicano” agli oggetti d’uso). Arte è la manifestazione prima, statutaria, di una cultura, quindi prassi identitaria di un popolo, quindi immagine di un territorio, quindi motore della sua economia attraverso il concetto di Decoro e la prima cristallizzazione di questo processo è la decorazione.

Il settimo raggio ovvero l’idea del centro. Indagine sulle radici della nostra cultura
Marco Lazzarato

L’enarmonia Sur-naturale di Ketty Tagliatti alla MLB Home Gallery

roby — Mon, 05 Dec 2011 10:59:06 +0000

MLB Home Gallery, foto di Marco Caselli Nirmal

Chi frequenta abitualmente la casa-galleria MLB ben sa di essere avvolto da un’accogliente e raffinata atmosfera. I galleristi e padroni di casa, infatti, conducono alla scoperta di un angolo di Rinascimento che sposa felicemente l’arte contemporanea, fin nella stanza da letto, dove le numerose opere d’arte raggiungono letteralmente il soffitto.

Con Sur-naturale però, la personale di Ketty Tagliatti, ideata in occasione della mostra Gli Anni Folli. La Parigi di Modigliani, Picasso e Dalì (1918 – 1933) in corso al Palazzo dei Diamanti, qualcosa è cambiato. Lo spazio della casa galleria ha spostato fisicamente i propri confini fuoriuscendo dalla porta d’ingresso, per espandersi lungo le pareti che contornano le brevi rampe di scale.

Particolare di Terre, foto di Eleonora Sole Travagli

Una teoria di Appunti accoglie il visitatore, attraendo lo sguardo. Quadrati di stoffa, tesi in silenti telai, compongono un’inedita partitura in cui note d’inconscio affiorano da pentagrammi irregolari. La ciclotimia ritrova in tele monocrome il proprio (bio)ritmo. Sono pause che consentono nuovamente di “respirare”, di accogliere questa sfaccettatura timbrica; pause che inducono ad attimi di silenzio indispensabili, anch’essi ricchi di significato.

E’ un libero flusso di coscienza che, al varcare della soglia, consente di accedere al mondo interiore dell’artista.

Accedendo alla prima sala, lo sguardo è subito rapito da una serie di boîtes de mémoires. END è il titolo di quest’opera che definirei come un piccolo mosaico dell’anima.

Dodici scenografiche “maquettes” trasformano l’aura degli oggetti di cui sono costituite; questi ultimi, infatti, acquistando rinnovato valore e significato, vengono salvati da forme di umano e desolante oblio.

Particolare di Trois morceaux en forme de poire, foto di Eleonora Sole Travagli

“…sono convinta che gli oggetti che ci circondano assorbano la nostra energia, il nostro vissuto, con tutto il carico di gioia e tristezza, serenità e paura… END nasce dagli oggetti che in quel momento ‘vivevano’ in studio con me. Ho sentito la necessità di chiudere una particolare fase della mia vita e l’ho fatto, sì, allontanando determinati oggetti, ma dando loro una nuova possibilità, una nuova esistenza. Accostandoli tra loro, facendoli ‘dialogare’, essi hanno acquisito una nuova identità, godendo di una libertà rinnovata”.

Ogni tessera di questo mosaico, quindi, ha una personalissima storia da raccontare che continuerà a mutare all’infinito al posarsi di ogni nuovo sguardo. Così Ketty Tagliatti affronta il tema della decontestualizzazione di objets trouvés, esplorando a volo d’angelo territori di duchampiana memoria.

Completano la sala Fazzoletti e Terre, altri lavori d’intenso spessore emotivo.

I primi, oltre a dare il titolo alla serie, costituiscono fisicamente la base su cui l’artista ha realizzato schizzi del fiore a lei più caro, la rosa.

“La morte non e’ niente. Sono solo scivolato nella stanza accanto. Io sono sempre io e tu sei sempre tu.” Citando alcuni dei magnifici versi di Henry Scott Holland comprendo che il fazzoletto, qui, costituisce la porta magica che conduce alla “stanza accanto”. Una porta sottile di candido tessuto, dai bordi ben definiti, che schiudendosi, pone in comunicazione i mondi che più affascinano e spaventano l’umanità. Attraverso la tecnica della scrittura automatica, pare che Ketty Tagliatti abbia bussato a quella porta. Subito qualcuno le ha aperto un intimo pertugio, dando inizio a un dialogo davvero speciale: quello con il padre, al quale questi fazzoletti sono appartenuti.

Con Terre, l’artista intraprende un viaggio nella fragilità in cui versa l’intero Pianeta che ci accoglie, una fragilità che, inevitabilmente, si ripercuote nell’intimo dell’animo umano. Lavorando creta bagnata, Ketty Tagliatti richiama a una profonda attenzione verso la terra, raccontata attraverso la metafora del bagnasciuga, a lei cara:

“Sul bagnasciuga imprimiamo tracce, impronte, ecc. Poi, improvvisamente, il rifrangersi di un’onda si porta via ogni cosa. È indispensabile comprendere ciò che possiamo raccogliere dalla terra, ciò che dobbiamo conservare. Oggi più che mai, abbiamo il dovere di proteggere ciò che stiamo distruggendo da tempo. Sono chiari i segnali d’aiuto che l’intero Pianeta sta lanciando.”

Nella seconda e ultima sala fuoriescono da un imponente arazzo (cm 240X290) i sinuosi e vellutati petali di una carnosa camelia scarlatta. La volumetria luminosa, di forte impatto visivo, nasce dalla meticolosa applicazione su tessuto di migliaia di spilli, cifra ormai inconfondibile dell’artista. Ma se quel fiore riconduce alla ricchezza di certe stoffe, alla ridondanza di talune atmosfere orientaleggianti in auge all’epoca, sulla parete di sinistra, fa da contrappunto un surreale e metafisico teatrino di depisisiana memoria. Il titolo dell’opera, Trois morceaux en forme de poire, è un chiaro omaggio al compositore Eric Satie, le cui note aleggiano tra le stanze accompagnando alla visita…
Eleonora Sole Travagli

Sur-naturale. Omaggio alla Parigi degli anni folli
Ketty Tagliatti

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Andrea Rigobello. Pittura, dialogo col pensiero dell’universo

roby — Tue, 22 Nov 2011 08:14:12 +0000

"Espansione" di Andrea Rigobello, Pescheria Nuova, Rovigo 2011

Il 25 novembre Andrea Rigobello, dopo qualche anno, torna alla Pescheria Nuova di Rovigo con un’esposizione che ne conferma la maturità artistica e la poetica originale: Nous, Noi, Anima Mundi si presenta infatti come un inno alla gioia, alla leggerezza e alla profonda coscienza (sat, chit, ananda,sanskr.) dei sottili rapporti psicologici,e non di meno materialistici, che costituiscono il tessuto dell’universo, vibrante di pensieri, relazioni, meditazioni umane.

"Aura" di Andrea Rigobello, Pescheria Nuova, Rovigo 2011

Il dialogo tra l’uomo e il cosmo e tra le forme appartenenti ad un’unica, luminosa, sostanza, è affidato alle onde cerebrali emanate dalla mente, raffigurate come ondulazioni cromatiche di pigmento puro e cristallino (pastello a cera, grafite, tempera, acquarello), che si compongono in forma di lettere, parole, preghiere, sui leggeri supporti cartacei della pittura.

"Eterico" di Andrea Rigobello, Pescheria Nuova, Rovigo 2011

In particolare l’artista ha scelto un mantra occidentale come veicolo di contatto mistico e di comunicazione tra l’uomo e un multiverso che va oltre la percezione usuale della vita quotidiana: la preghiera del rosario, un racconto che ha accompagnato la sua crescita fin dall’infanzia.
La preghiera permea tutto il reale, così come dall’altro capo del mondo, in un altro tempo, i geroglifici delle steli precolombiane immergono l’identità dell’officiante nella realtà più profonda della natura.

"A-spirale" di Andrea Rigobello, Pescheria Nuova, Rovigo 2011

Segni di vario genere, simboli e parole, disegnati, dipinti o impressi su supporti di vecchie carte riciclate, quaderni di scuola o tavolette lignee sono il mezzo per esprimere l’area creativa di contatto e comunicazione tra la mente umana (Manas, dalla radice man, sankr.) e quella collettiva (Mahat, sankr., Nous, gr.,che genera l’Anima del Mondo), ovvero l’intelletto cosmico, motore universale.

"Carte" di Andrea Rigobello, Pescheria Nuova, Rovigo 2011

Andrea Rigobello, mostra come la conoscenza intuitiva (buddhi, sankr., nòesis, gr.) si sviluppa nell’animo per gradi: dapprima, quale semplice abbozzo, si manifesta nella paura della preghiera quale paura dell’ignoto, resa in ironici calligrammi in forma di aracnide, a matita nera; quindi inizia a comporsi cromaticamente in onde, aure e spirali di vocaboli. La reiterazione verbale si sovrappone al paesaggio, saturando l’ambiente di segni. Ad essa si alterna la rarefazione del silenzio fino all’emergere dal vuoto di parole in libertà.
In alcune carte prevale la parola, in altre la pittura: i colori sono sempre morbidi, i timbri soffusi. La vibrazione del canone evocato dalla pittura si insinua ovunque, qui ed ora, nel mondo contemporaneo (incluso quello pubblicitario) pervadendo ogni aspetto della realtà umana, fino a sublimare quest’ultima in pure sagome radianti poste in libero contatto, o ad attualizzarla nell’interazione con il visitatore, con il rituale dell’accensione di una candela o di un biglietto in cui esprimere un desiderio.
Anche l’allestimento contribuisce a creare un ambiente vibrante e comunicativo, con la disposizione delle carte in forma di calligramma, un omaggio alla magia della poesia surrealista, con preghiere che ludicamente salgono le scale e, fondamentalmente, con la “collocazione in libertà” dei lavori nello spazio della sala. L’ultimo giorno, per il finissage della mostra, saranno raccolti tutti i bigliettini dei desideri per costituire un’ultima, magica, opera collettiva.
Roberta Reali

Nous, Noi, Anima Mundi
Andrea Rigobello
Pescheria Nuova
Corso del Popolo
45100 Rovigo
25/11 – 30/11 / 2011
vernissage 25/11 ore 18.00
finissage 30/11 ore 18.00
tel +393498496365

No Title Gallery: “Intro”, le ossa della terra

roby — Tue, 08 Nov 2011 19:24:15 +0000

Roberta Feoli, La familia de Paloma, 2011

Il 20 novembre 2011 la galleria virtuale No Title Gallery inaugura la doppia esposizione d’arte di Roberta Feoli e Giulio Vesprini nello spazio tangibile dell’Arci Fuzzy di Mantova.
Bianco e nero, osso e pietra: grafica, forma e simbolo permanenti della terra e dell’eterno trascorrere del tempo. Senza esitazioni i due artisti si addentrano nel tema ctonio, sia con lo studio sterometrico di stratificate “rocce lunari” che con forme post-umane, scheletri di forti personalità ancora vive come nella figura della Santa Muerte.
Durante l’inaugurazione Feoli e Vesprini s’incontreranno in un’opera a quattro mani che vuol essere la sintesi dello spirito con cui nelle civiltà antiche venivano eretti tumuli di pietre sopra i sepolcri , di un’umanità disincarnata, e della materia, la pietra in cui è incisa la memoria dell’uomo e della terra stessa.
“Intro” si pone come primo di una serie di eventi espositivi d’arte alternativa promossi da No Title Gallery, un progetto di Francesco Liggieri e Elena Picchiolutto (la curatrice) che mette coppie d’artisti a raffronto con l’intento di avvicinare artefici e forme d’arte diverse, innescando sinergie innovative e creative, a Venezia e in altri “luoghi e non luoghi” in Italia e all’Estero.
Fino al 12 dicembre.

Intro
Roberta Feoli, Giulio Vesprini
No Title Gallery
Arci Fuzzy
via Carlo Goldoni 2
46100 Mantova
mer, gio, ven 19.00 – 24.00
Vernissage: 20 Novembre 2011
Finissage: 12 Dicembre 2011
www.notitlegallery.com
info@notitlegallery.com